Con la colaboración de Gonzalo Claro, desde Bilbao.
El pasado domingo 14 de febrero finalizó la exhibición Frank Lloyd Wright que se llevó a cabo en el museo Guggenheim Bilbao co-organizada por la Fundación Frank Lloyd Wright y la Fundación Solomon R. Guggenheim. La muestra -la más completa dedicada al arquitecto norteamericano hasta la fecha en Europa- coincide con el cincuenta aniversario de la inauguración del museo en Nueva York y con la muerte de su arquitecto, seis meses antes de su apertura.
Otro clásico revisitado por los 0300tv. Esta vez es el Pabellón Barcelona de Mies van der Rohe, donde se puede apreciar la instalación de SANAA (montada hasta Enero del 2009) que consta de una leve cortina de acrílico curva, que me recuerda al Glass Pavilion del Museo de Toledo en Estados Unidos de la firma japonesa.
Iakov Chernikov se graduó en 1925 de la Academia de Arte y fue a partir de ese momento cuando sus intereses se centraron en una gran fascinación por la arquitectura industrial, el área de la arquitectura con mayor desarrollo durante los años posteriores a la Revolución Rusa. En comparación con otras áreas del ámbito constructivo, esta prometía un mayor campo de actividad en términos de creación por aquellos años. Entre sus profesores estaban distinguidos educadores como V. Beklemishev, D. Kardovsky, I. Fomin, y el académico de Arquitectura Leontiy N. Benois, su principal “maestro” en Petrogrado.
Chernikhov vivió de 1889 a 1951 y está clasificado como parte del grupo de arquitectos constructivistas, aunque también desarrolló su trabajo en el campo del diseño gráfico. Sus libros acerca de diseño arquitectónico fueron publicados en Leningrado entre 1927 y 1933 y contienen algunos de los textos e ilustraciones más innovadores de su tiempo.
Con el nombre BIArch Dialogues. Reviewing Architectural Knowledge Format, el Barcelona Institute of Architecture ha presentado el segundo de una serie de seminarios bajo el formato “diálogos”, una interesante mesa redonda en la cual compartir, comentar y discutir opiniones diversas en torno a un tema.
En esta ocasión el tema elegido han sido los diferentes formatos utilizados para transmitir el conocimiento arquitectónico, desde las publicaciones en papel [libros, revistas, bookazines], pasando por las plataformas on-line, galerías y espacios para exposiciones, hasta finalizar con una interesante conversación con profesores universitarios.
Hace un tiempo les mostramos la 4ª entrega de la Guía de Arquitectura Latinoamericana del diario argentino Clarín, correspondiente a Santiago de Chile. En ese post el lector Luis Hevia G. dejó un link al documental sobre Santiago contado por el arquitecto chileno Mathias Klotz y que ahora compartimos con ustedes. Una resumida clase de historia de la ciudad en 45 minutos.
Una recomendación: la visión que tienen de Santiago otros importantes arquitectos latinoamericanos (que aparecen al final del documental) como Alfredo Hidalgo (Méjico), Alejandro Aravena (Chile), Jean Pierre Crousse (Perú), Felipe Uribe de Bedout (Colombia) y Solano Benítez (Paraguay).
La editorial Princeton Architectural Press publicó en 2003 el libro Brodsky & Utkin: The Complete Works y hace poco, al tropezar con él, hemos conocido a un grupo de arquitectos llamados los “arquitectos de papel” o paper architects.
La historia de este grupo comienza en 1957, cuando Kruschev declaró que la arquitectura del realismo socialista padecía de un “exceso de decoración estilo” y suprimió la Academia de Arquitectura Rusa. En esos años, a partir de la década de 1960 hasta la década de 1980, la tecnología moderna y, especialmente, la prefabricación, se desarrolló en todo el mundo, con el fin de satisfacer las grandes necesidades de vivienda que surgen a raíz del crecimiento de las ciudades. Pero sobre todo en Rusia, fue aprovechada para producir un discurso comunista contra la estética y así promover la idea de que cualquier tipo de la decoración y de ideas creativas eran consideradas innecesarias e inmorales. El grupo de arquitectos de papel nació en Moscú como protesta contra todas estas ideas, coincidiendo además con un momento en que la práctica arquitectónica se veía amenazada por la producción estandarizada y un legado ideológico estéril.
Les quiero presentar el trabajo de un artista callejero que me ha llamado bastante la atención, se trata de las intervenciones con stencil de Evol, producción que ha atraido bastante atención, no sólo por su calidad plástica, sino por el mensaje y contenido que tiene.
El soporte de la serie “Buildings” de Evol es el stencil aplicado sobre diferentes elementos urbanos generalmente residuales, como muros, callejones, basureros, elementos abandonados o cajas técnicas y de electricidad. El resultado es la generación de ilusiones ópticas que juegan con la escala, donde se generan edificios e incluso ciudades, empleando como soporte, elementos e instalaciones urbanas residuales, convirtiéndolas en objetos de arte y al mismo tiempo en el soporte de agudas críticas. SEGUIR LEYENDO
Berlín, “la ciudad europea sin forma” se convirtió desde 1925 en un referente cultural, arquitectónico y centro financiero a nivel mundial. En 1939 tras la segunda guerra mundial la ciudad fue dividida en cuatro sectores bajo administración de los aliados. Veintidós años más tarde la RDA construyó el muro de Berlín que separo la ciudad.
Hace treinta y cuatro años la “ciudad europea” fue redescubierta. En 1975 el Consejo Europeo inició uno de los programas de desarrollo urbano más exitoso de su historia. Bajo el lema “Un futuro para nuestro pasado. Herencia arquitectónica europea”, el Consejo Europeo no sólo logró dirigir la atención hacia la herencia de la “ciudad europea”, sino además posicionarla como modelo para una ciudad mejor. El redescubrimiento o la reinvención de la “ciudad europea” se concretó fundamentalmente a través de una política orientada a la protección de monumentos (Denkmalschutz). El objetivo último de esta política era proteger a individuos y comunidades de un mundo moderno caracterizado por profundas transformaciones económicas y sociales que harían peligrar la vida comunitaria.
Cedric Price nació en 1934 y ha sido una de las figuras más influyentes en la arquitectura actual. Muy cercano a las propuestas utópicas de Archigram y Yona Friedman, con sus propuestas en las que siempre resaltó la importancia de la flexibilidad en el diseño arquitectónico, logró posicionarse también como un teórico importante de la segunda mitad del siglo XX, que escribió poco pero predico con sus ideas. Sus proyectos representaban una adaptabilidad extrema, siempre pensando en la posibilidad de que su uso cambiase de forma impredecible. Pero sin lugar a dudas, uno de sus proyectos más importantes fue el Fun Palace (Palacio de la Diversión), diseñado en colaboración con la directora de teatro Joan Littlewood entre 1961 y 1972 y que proponía unas escenas sin precedente para interactuar con el entorno urbano, que dieron como resultado un edificio que, en cada una de sus partes, respondía adecuadamente a las necesidades de sus visitantes. Esencialmente “re-programable”, el Fun Palace se adelantó a su tiempo al mostrar un interés y apoyarse ampliamente en las nuevas tecnologías. Lamentablemente fue un proyecto incomprendido y en 1974 su propuesta fue rechazada por última vez. SEGUIR LEYENDO
Hace unos días caminando por Nueva York me topé con un edificio en construcción que tenía un “aire” bastante particular… un diseño medio clásico, con un desarrollo de basamento, cuerpo y remate tipo columna, pero con un trabajo de vidrios inclinados que llamaba la atención. Hasta que ví el letrero de Gwathmey & Siegel Architects, el mismo Gwathmey de los New York 5, que falleció el pasado 3 de Agosto a los 71 años.
400 Fifth Ave, New York, Gwathmey & Siegel
El grupo de los New York Five, conformado por Peter Eisenman, Michael Graves, Charles Gwathmey, John Hejduk (fallecido el 2000) y Richard Meier partió de un ideal común entre estos 5 arquitectos de Nueva York, el de elevar la forma, libre de lo social, funcional e incluso la técnica. “Moderno” en la estética, pero sin lo que venía detrás de estos ideales. Solo la forma. De esta manera contestaban al brutalismo y la arquitectura corporativa de las grandes oficinas que proliferó en Estados Unidos durante los 60.
‘For me the proportion of a building and its part are crucial. Through my studies of various rules of proportion –the Golden Section, the Triangulum, the Modulor and so on- I have developed my own system of proportion. This cannot by itself guarantee a good building, but it is a vital tool’.[1]
En un post anterior les mostramos el museo La Congiuta, del arquitecto suizo Peter Märkli. Ahí había un link a una interesante entrevista que le hicieron en la revista Icon, donde habla de su fijación con la proporción áurea. Si no te quedó claro cuando te la enseñaron en la clase de historia y/o dibujo, deja que Disney te lo explique.
1. Peter Märkli and Marcel Meili, “Conversation”, in Mohsen Mostafavi, Approximations: the architecture of Peter Märkli, The MIT Press, 2002, p. 50.
En la producción arquitectónica (de calidad) del último tiempo, también llamado el estado del arte de la arquitectura, hay dos categorías que parecieran estar presentes en la mayoría de las obras que aparecen en revistas y blogs (o que despiertan de una u otra manera un cierto interés): el mix de programas y la sostenibilidad. Sin embargo, existen edificios que al no tener un programa complejo y/o haberse diseñados antes de que estos temas fueran un must para ganar concursos, pusieron su acento en otros aspectos. Menos pretenciosos, más cercanos a otras disciplinas artísticas, éstas obras (y sus arquitectos) aparecen de vez en cuando para devolverle una cierta espiritualidad y carga artística a la arquitectura…poniendo ese acento, desde mi punto de vista, en la materialidad. Es dentro de esta tradición que nos encontramos con las dos obras que les presentamos a continuación: el kiosko de flores en el cementerio de Malmö, diseñado por Sigurd Lewerentz (en 1969) y el museo La Congiunta, de Peter Märkli (de 1992).
Aún existiendo casi un cuarto de siglo de diferencia entre ambas obras; el especial cuidado puesto en el material, el atento diseño y la calidad de los detalles nos siguen dejando importantes lecciones de arquitectura.
Las Case Study Houses fueron un experimento de vivienda residencial impulsado por la revista Arts & Architecture, que permitió introducir los ideales del movimiento moderno en Estados Unidos a través de viviendas eficientes y accesibles durante la post-guerra.
¿El resultado? Increíbles casas de Richard Neutra, Raphael Soriano, Craig Ellwood, Charles y Ray Eames, Pierre Koenig y Eero Saarinen, construidas entre 1945-1966, concentrándose la mayoría en Los Ángeles, algunos en San Francisco y una en Phoenix, Arizona.
Pero bueno, dada la trasendencia de esto en la historia de la arquitectura la mayoría de ustedes ya sabe sobre esto, o al menos las conocen como “las malas de la película“. Sin embargo sale a colación dado que ayer 16 de Julio falleció Julius Shulman (1910-2009). Julius es la persona (genio) detrás del lente que nos trajo estas casas, presentadas mucho más que como simples fotos de arquitectura, sino que reflejando un estilo de vida asociado a esta arquitectura.
En el último tiempo hemos visto como los temas urbanos han ido cobrando cada vez mayor importancia en las agendas de los gobiernos, en cumbres, instituciones, y junto con ello, en los medios de comunicación. Es que la ciudad ha pasado a ser uno de los temas centrales tanto de los países desarollados, como de los que buscan llegar a serlo. Es en la ciudad, con sus aciertos y oportunidades, donde se puede ver materializada la desigualdad, donde la inequidad tiene rostro (y donde está una de las claves para solucionarla). El problema no es ajeno a los países desarrollados, reforzado en gran medida por la inmigración. Hoy apareció en el diario español El País un artículo titulado ‘La utopía de transformar la Cañada‘, donde se le encargó a 5 arquitectos reflexionar sobre el mayor asentamiento ilegal de España. Ahí viven 40.000 personas, todos ilegales, sin alcantarillado y distribuidas en 2.000 viviendas. Con esta realidad, instalada ahí hace 5 décadas, se vieron enfrentados los 5 equipos: Andrés Jaque, Diego Barajas, José María Ezquiaga, Carlos Sanchez Casas y nuestros amigos de Ecosistema Urbano.
Melnikov no solo fue un conocido arquitecto ruso, también ha sido el principal representante del constructivismo ruso, movimiento vanguardista tanto artístico como arquitectónico que surge en 1914 y cuyo momento de mayor presencia fue después de la Revolución de Octubre.
Otro de los grandes exponentes del constructivismo fue Tatlin, quien combinaba la estética de las máquinas con los componentes de las máquinas para crear arquitectura, su obra más conocida es el Monumento a la III Internacional.
Pero volviendo a Melnikov, quien nació en Moscú en 1890, estudió pintura y luego arquitectura en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú de donde se gradúa en 1917. A partir de este momento, lo primero que hizo fue desarrollar un plan urbano para Moscú y luego trabajó como maestro hasta 1923 en la misma escuela en la que había estudiado. Es después de este momento cuando se puede apreciar un cambio drástico y radical en su obra y dedica gran parte de su tiempo a estudios de innovación en el campo de la arquitectura. SEGUIR LEYENDO
Hace una semana les contamos sobre César Manrique y cómo este arquitecto canario cambió la imagen de Lanzarote a través de la arquitectura y su increible manejo del paisaje. Ahora, completando el post anterior, los dejo con un genial texto de Iñaki Ábalos en que compara, desde el punto de vista de las cavernas (o mejor dicho del momento en la vida de los arquitectos en el que la caverna ejerce una atracción irresistible como material arquitectónico); a tres personajes que aún viviendo en lugares y contextos tan diferentes, al llegar a su madurez sintieron la llamada de la gruta, la atracción por el abismo de lo telúrico. Estos son: Le Corbusier, Juan O’Gorman y César Manrique.
La Guía de Arquitectura Posmoderna de Santiago Centro, es una carta de navegación para recorrer los ejemplos más representativos de este tipo de Arquitectura en el centro de nuestra capital. Propone tres posibles rutas a través de aquellos edificios…
a+t nos ha enviado el tercer numero de su Serie Hibrids, “Hibridos Residenciales”. Esta nueva serie de la gran editorial española centra su investigación en esta tipologia de edificios capaces de albergar programas dispares, de promover la…
La revista Summa+ nos presenta su último número 106, con una edición exclusivamente dedicada a la Educación. La portada ilustra las nuevas residencias y comedor de la Universidad de St. Edward’s de Alejandro Aravena y Ricardo Torrejón.
Tras 2 años de rigurosas revisiones, la Editorial Gustavo Gili lanza esta publicación de Hormigón Armado, la cual es una renovada edición del manual clásico conocido popularmente como Jimenez Montoya. No solo renovada, sino que también ampliada, para adaptarla…
En su edición número 15, la revista argentina Zona de Proyectos nos muestra un amplio compilado de arquitectura emergente latinoamericana. La revista nos ilustra proyectos construidos por oficinas que ya hemos divulgado en la Plataforma ,como es el caso…
Una retrospectiva monumental del programa Case Study House
El programa Case Study House (1945-1966) fue un acontecimiento excepcional e innovador en la historia de la arquitectura estadounidense y sigue siendo único hasta la fecha. El programa, que se centró…
Arquitectos por Chile. Voluntarios 
ELEMENTAL Monterrey 
Cómo reconocer los daños en su... 
