Breve historia de la arquitectura de los clubs nocturnos

Breve historia de la arquitectura de los clubs nocturnos
The environments of nightclubs shifted along with trends in architecture and design. Pomo theatrics formed the interiors of the Flash Back Discotheque in Borgo San Dalmazzo. Image Courtesy of Paolo Mussat Sartor
The environments of nightclubs shifted along with trends in architecture and design. Pomo theatrics formed the interiors of the Flash Back Discotheque in Borgo San Dalmazzo. Image Courtesy of Paolo Mussat Sartor

Este artículo fue originalmente publicado por Metropolis Magazine como "The Designers Who Made Disco."

En las pistas de baile es posible hacer casi todo, dijo el colectivo Radical Design de 1960, Gruppo 9999, quien defendía que los clubes nocturnos debían ser "un hogar para todo, desde la música rock hasta el teatro y las artes visuales". Otros artistas y diseñadores -incluido el neoyorquino Jean- Michel Basquiat, el arquitecto Peter Cook de Archigram y el creador de la "catedral del rave" de Manchester, Ben Kelly, vieron la pista de baile como un escenario más subversivo: donde los límites podían difuminarse y los umbrales cruzarse, donde la fiesta y la política podían entretejerse en el oscuro para canalizar una revolución cultural. Night Fever en el Vitra Design Museum combina esta concepción del club nocturno como una Gesamtkunstwerk social.

In general, nightclub designers excel at playing with issues of scale, as Akoaki’s 2014 Mothership mobile DJ pod attests. Image Courtesy of AkoakiThe Arata Isozaki–designed Palladium in New York City, with mural by Keith Haring. Image Courtesy of Timothy Hursley/Garvey|Simon Gallery New YorkThe environments of nightclubs shifted along with trends in architecture and design. Architects’ dalliance with pneumatic structures in the late ’60s and early ’70s was reflected in the design of Florence, Italy’s Space Electronic. Image Courtesy of Carlo Caldini, Gruppo 9999Les Bains Douches in Paris, 1990, designed by Philippe Starck. Image Courtesy of Foc Kan+ 12

In general, nightclub designers excel at playing with issues of scale, as Akoaki’s 2014 Mothership mobile DJ pod attests. Image Courtesy of Akoaki
In general, nightclub designers excel at playing with issues of scale, as Akoaki’s 2014 Mothership mobile DJ pod attests. Image Courtesy of Akoaki

Emplazado con cuatro salas de exposiciones correspondientes a una narrativa cronológica flexible durante más de cinco décadas, Night Fever evita los plazos estrictos para centrarse en ángulos temáticos más amplios que permiten que las diversas fases y tendencias de la cultura del club se crucen en la oscuridad. La moda, el pop y las subculturas, el progreso social y la comercialización desenfrenada entran y salen durante todo el espectáculo. Night Fever primero teletransporta a los visitantes al extático e hipnótico mundo del diseño radical italiano de 1960 a través de un corredor futurista y brillante. Una flecha roja fluorescente electrifica un enclave de aluminio liso que se expande en una habitación oscura cavernosa en la que los letreros de neón, la música, los muebles de diseñador y la parafernalia del club convergen bajo el brillo de las vitrinas de cristal.

La premisa de esta primera sala, llamada "Beginning to See the Light" en un guiño a las deidades del rock and roll Velvet Underground es simple: el pop y el rock revolucionaron una emergente cultura juvenil en Europa y EE. UU. el club nocturno como una fábrica social. "Los años 60 fueron los primeros y realmente, los únicos clubes nocturnos que sirvieron como espacio para que los jóvenes conocieran y compartieran ideas", sugiere el coautor Jochen Eisenbrand mientras se para frente a una unidad modular de andamios que emerge de una esquina de la galería (Eisenbrand organizó el espectáculo con Catharine Rossi y Nina Serulus.) El reluciente crecimiento metálico –conocido como un sistema de armazón espacial, fue inventado por la empresa de ingeniería alemana MERO en la década de 1940– crea una ilusión óptica contra un fondo de techo a piso de una noche en el icónico club italiano L'Altro Mondo.

The environments of nightclubs shifted along with trends in architecture and design. Architects’ dalliance with pneumatic structures in the late ’60s and early ’70s was reflected in the design of Florence, Italy’s Space Electronic. Image Courtesy of Carlo Caldini, Gruppo 9999
The environments of nightclubs shifted along with trends in architecture and design. Architects’ dalliance with pneumatic structures in the late ’60s and early ’70s was reflected in the design of Florence, Italy’s Space Electronic. Image Courtesy of Carlo Caldini, Gruppo 9999

Mientras que se iniciaba en Italia, Night Fever extiende rápidamente su mirada a través de las ciudades y continentes para examinar cómo arquitectos y diseñadores desde Nueva York a París responden al llamado nocturno. Al entender el club nocturno como una nueva tipología de edificios, la primera sala examina el auge de los interiores modulares y los muebles diseñados a medida que respondían a los entornos alucinatorios evocados por la maquinaria de iluminación de alta tecnología. Debajo de la instalación del marco espacial geodésico se encuentra un ejemplo de color caramelo de muebles translúcidos e iluminados de Cesare Casati y Emanuele Ponzio, diseñado en Bolzano, Italia, en 1968. Se adapta a todo ladrido, sin mordisco del Módulo de silla giratoria de Roger Tallon 400 No ° 3 (1965), cuyos ominosos picos están hechos de espuma de cámara anecoica afelpada.

Con un sujeto tan supersensorial en la mano, Night Fever no escatima en entretenimiento. Para los audiófilos (o aquellos grandes en luces intermitentes), el punto culminante de la exposición es la instalación interactiva de Konstantin Grcic y Matthias Singer que consume el Hall 2. Como entrar en una bola de discoteca gigante, agachándose bajo las paredes desplegables y subiendo a la pista a visitantes en su propia discoteca privada. Los auriculares colgando del techo iluminado con un espejo reflejan una historia sonora de cuatro épocas de música: pre-disco, disco, house y techno compiladas por el músico y consultor experto de exposiciones Steffen Irlinger. El objetivo aquí es llevar a los visitantes a un contacto íntimo con la energía contagiosa de la música y a la vez, desentrañar su evolución estilística a través de las décadas. Obviamente fue un gran éxito: vi a varios visitantes dejándose llevar en la pista iluminada, incluido un septuagenario bastante recatado con una aparente inclinación por la música house.

The Arata Isozaki–designed Palladium in New York City, with mural by Keith Haring. Image Courtesy of Timothy Hursley/Garvey|Simon Gallery New York
The Arata Isozaki–designed Palladium in New York City, with mural by Keith Haring. Image Courtesy of Timothy Hursley/Garvey|Simon Gallery New York

La fiesta se calma un tanto en la tercera sala, con el tema "Slave to the Rhythm", que se centra en la hipercomercialización de la disco. Un clip de la película Saturday Night Fever de 1977 ilustra cómo la música disco fue directamente del santuario subcultural queer al elegante telón de fondo de Hollywood. En una muerte cruel por el soñador radical de los 60, la extática discoteca subterránea se hizo más eficiente en un esfuerzo por obtener ganancias capitalistas. Pero Night Fever no se empantana en el obituario, sino que avanza con el rápido repunte de la música house, cuyas vibrantes escenas de club surgieron en momentos de agitación política, desde el post Berlín hasta la angustia económica de Detroit y la gentrificación de New York en los años 80 y 90 ", explica Eisenbrand. En cierto sentido, la cultura del club en los años 90 se convirtió en una forma de tener en cuenta la política de memoria fracturada de las ciudades en retroceso; además, era una oportunidad para quienes habitaban tales espacios de transición para redefinir su cultura y la de la ciudad. Por supuesto, la arquitectura anónima de estos clubes nocturnos los convirtió en una marca de sí mismos, con la firma berlinesa Tresor (est. 1991) y Berghain (est. 2004) haciendo su parte en la promoción del techno como parte de una economía turística viable.

Les Bains Douches in Paris, 1990, designed by Philippe Starck. Image Courtesy of Foc Kan
Les Bains Douches in Paris, 1990, designed by Philippe Starck. Image Courtesy of Foc Kan

El vínculo entre la hipercomercialización, lealtad de marca, conciencia de imagen y cultura de discoteca lleva a Night Fever al presente posglobalizado, donde la cuarta y última sala ("Around the World") aborda el clubbing en el siglo XXI como un fenómeno mundial. El DJ ha sido canonizado como una figura de culto, a menudo manejando su propia línea de moda, o patrocinado por marcas conocedoras de tendencias, al igual que el club nocturno funciona como un nodo económico en ciudades globales competitivas, como Amsterdam, Londres y Nueva York, que han designado a sus propios "alcaldes de la noche" para promover la vida nocturna urbana.

Aún más fascinante, Night Fever señala la paradoja de la influencia de los medios digitales en la vitalidad de la cultura del club. Desde Boiler Room, conjuntos de DJ de YouTube hasta festivales de música en línea, las redes sociales ofrecen un espacio alternativo para congregarse que es rápido y fácil de acceder, y de forma gratuita. Mientras tanto, los lugares IRL ya arriba contra las rentas cada vez que suben se ven obligados a innovar, una nueva presión que, Night Fever observa astutamente, ha reavivado el interés en las visiones precisas de arquitectura futurista y el diseño de la 'cultura 60s club, incluyendo el uso mixto Ensueño de la productora teatral Joan Littlewood y del palacio de la diversión del arquitecto Cedric Price (1964). Los locales emergentes y los híbridos se han combinado con un enfoque renovado en la música migrante y los festivales de arte que enfatizan la creación de un lugar en medio del no-lugar, como las fiestas del desierto de Burning Man y Coachella. El trabajo de arquitectos estrella contemporáneos como OMA y los artistas ganadores del Premio Turner.

OMA's cancelled design for the Ministry of Sound in London. Image Courtesy of OMA
OMA's cancelled design for the Ministry of Sound in London. Image Courtesy of OMA

De la política al diseño, un fervor contracultural que refleja la revolución social de los años 60 y 70 está barriendo la escena contemporánea. En arquitectura y diseño, los movimientos transparentes y amantes del pop de Pomo y la alta tecnología son resucitados y deificados; desde el choque esquizofrénico de Gucci hasta la ubicuidad de los iPhones de oro rosa, la ostentación de la cultura material y la llamativa extravagancia están de vuelta en el negocio. La cultura del club siempre ha vivido en este pegajoso espacio intermedio: es probable que surja en la pasarela o en las ferias de muebles como el oscuro telón de la escena techno de Berlín, igualmente en casa en los canales de YouTube de celebridades y en la arquitectura regenerativa patrocinada por el gobierno Concursos, la discoteca siempre ha influido en la alta costura y la cultura pop en la misma medida. Siempre vacilante al borde de la extinción, es una tipología radicalmente resistente y feroz. Night Fever nos ruega que nos quedemos un poco más tarde, para absorber un poco más estos excesos y tonterías de la noche, porque quién sabe cómo será el mundo a la mañana siguiente.

Night Fever se exhibe en el Vitra Design Museum hasta el 9 de septiembre de 2018.

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Sobre este autor/a
Cita: Bucknell, Alice. "Breve historia de la arquitectura de los clubs nocturnos" [A Brief Architectural History of Nightclubs] 25 jun 2018. Plataforma Arquitectura. (Trad. Arellano, Mónica) Accedido el . <https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/896814/breve-historia-de-la-arquitectura-de-los-clubs-nocturnos> ISSN 0719-8914

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